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Cinquième album studio du groupe Lost in Kyiv, ‘We’re All Going to Be Fine’ est sans doute leur disque le plus sombre. L’album compte sept morceaux, chacun s’étirant sur de longues plages instrumentales qui suivent la grammaire habituelle du groupe : montée en tension progressive, nappes de synthés et de guitares saturées, silences abrupts, puis décharges finales offrant des éclairs de lumière.

Après « Enlightened » une mise en bouche atmosphérique brumeuse, « Burst » et « Mantra » alternent mélancolie feutrée et crescendo apocalyptique, tandis que « Eclipse » et « Liminality » s’inscrivent dans une lente montée à la mélodie contemplative qui éclôt dans un final ample et lumineux, alors que « Euphoria » creuse un sillon plus industriel, presque menaçant. Une nouveauté, la violence et l’acuité de « Becoming » s’exprime pour la première fois dans la discographie du groupe par le chant de Rebecca Need-Menear.

‘We’re All Going to Be Fine’ n’est pas une révolution dans la discographie de Lost in Kyiv, mais une confirmation solide qui renoue directement avec l’esthétique du groupe.

Chance to Reborn est le premier album du groupe italien Aletheya, prévu pour le 18 septembre 2026 chez Rockshots Records (produit par Stefano Morabito). Un album qui mêle la tradition du power metal classique à une profondeur symphonique et conceptuelle moderne. L’album affiche aussi une tendance progressive et des influences qui s’étendent de Magnum à Stratovarius en passant par Angra.

‘Chance to Reborn’ affiche des titres exceptionnels comme : « Eyes of the Stone », « Echoes of Oblivion », « Chasing the Sun » et mon morceau préféré, « Waves of Sorrow » qui associe avec brio power metal et prog symphonique à une voix, celle de Gianni Carcione qui est un véritable régal pour les oreilles. Le reste de l’album est également de très bonne facture.

Entre vitesse chirurgicale, technicité impétueuse et mélodies imparables, chaque morceau de ‘Chance to Reborn‘ témoigne d’une écriture d’une précision redoutable et si vous appréciez le power metal mélodique des groupes mentionnés précédemment, je vous recommande vivement de l’acquérir, vous ne le regretterez pas !

David Folchitto: Batterie
Francesco Menale: Guitares
Gianni Carcione: Chant
Fabrizio Sclano: Basse

Certains groupes et albums nous rappellent qu’il n’y a rien de neuf sous le soleil et dans une boucle sans fin le bon vieux hard rock (tendance glam rock/metal) typé années 70 revient squatté nos platines. Ce retour plusieurs décades en arrière c’est avec ‘All Hail Hypocrisy’ du groupe norvégien The Cruel Intentions que nous le faisons. Avec ses onze titres il nous offre un véritable bain de jouvence un brin excentrique et pompeux, certes, mais c’est sa marque de fabrique.

‘All Hail Hypocrisy’ est une véritable machine à tubes (notamment le titre éponyme) avec des compositions qui auraient sans doute, dans une autre époque, bénéficiées d’un succès important, et se seraient parfaitement intégrées dans un album d’Angel (je pense à ‘Sinful’ de 1979).

Composé de Lizzy DeVine (chant, guitare), Kristian Solhaug (guitare), Mats Wernerson (basse) et Robin Nilsson (batterie), The Cruel Intentions nous assène un hard rock mélodique aux refrains qui accrochent, donnant à l’album une cohérence et une lisibilité redoutables. On sent un groupe qui ne cherche jamais à en faire trop, chaque morceau tourne autour de trois minutes, sans fioritures inutiles, et un mot d’ordre : l’efficacité plutôt que la virtuosité, et ça marche !

Ecouter un nouvel album de Deep Purple en 2026, c’est un peu comme aller en vacances chez les grand-parents : on sait ce qu’on va manger, on fait toujours les mêmes activités, on a droit aux mêmes histoires, mais on fait tout de même mine d’être surpris pour préserver ce lien affectif, en agissant comme si ces rendez vous réguliers allaient durer pour toujours, même si chacun sait que ce ne sera pas le cas. Deux ans à peine après =1, les plus actifs de nos retraités (ou les plus retraités de nos actifs, c’est selon), sont de retour avec SPLAT!. Le groupe a définitivement renoncé à se triturer les méninges pour trouver des titres d’albums, et affiche une excellente forme au travers d’un disque riche de 13 morceaux directs et efficaces, alignés avec l’héritage historique du groupe. Pour sa seconde participation, le guitariste Simon McBride (venu prendre le relais de Steve Morse) confirme sa parfaite intégration, via notamment une belle complémentarité avec les claviers de Don Airey.

Deep Purple distille tout au long du disque ses ingrédients et son savoir-faire acquis au fil des années dans une ambiance qui respire la camaraderie sincère plutôt que l’obligation contractuelle. Du groove Heavy Jazz à la “Lazy” de “Diablo”, au pont Beatles-ien de “Splat!”, en passant par le ‘Classic Deep Purple Riff’ guitare et clavier de “The Lunatic”, la lourdeur Metal aux airs de cornemuse de “Sacred Land”, le Bluesy “The Beating of Wings”, ou le Proggy (si, si) “Guilt Trippin’”. A ce rythme, le groupe semble capable de continuer à faire vivre leur héritage pour des années encore, d’autant plus que les musiciens continuent de parcourir la planète de concerts en concerts. Auraient-ils découvert en secret une fontaine de jouvence ou une quelconque potion magique ? On préférera se rassurer en se disant que c’est simplement la passion de la musique qui les maintient en forme… en espérant en récupérer quelques gouttes au passage.

Soyons clair : je n’attends plus grand chose de Muse. Leur dernier album en date Will Of The People (2022) pouvant être qualifié au mieux de moyen, c’est sans conviction et par conscience professionnelle que j’ai lancé The Wow! Signal. C’est évidemment lorsque l’on n’attend rien que l’on risque le plus d’être favorablement surpris, et ce fut le cas avec cet opus. Car, si le trio britannique reste cette gigantesque machine programmée pour remplir les stades à coups de refrains fédérateurs, il glisse dans cette nouvelle livraison quelques éléments capables de faire vibrer la corde progressive. On y trouve par exemple du symphonique, comme sur le morceau d’ouverture “The Dark Forest” où le London Metropolitan Orchestra apporte une colorisation orientale rappelant le “Lawrence d’Arabie” de Maurice Jarre, avant que celui ci ne fusionne avec un Rock à la Queen, évoluant vers un son Metal épique et outrancier à grands renforts de chœurs orchestraux (Crouch End Festival Chorus).

On peut aussi noter la contribution d’un orgue et la prestation habitée de Matthew Bellamy sur “Shimmering Scars”, la guitare fuzzée sur une ambiance industrielle froide de “Cryogen”, l’intro et le final instrumental en tapping de l’électro “Hexagons”, le mariage réussi entre Pop, Dance et Metal lourd sur “The Sickness in You & I”, le Prog Metal “Unravelling”, ou le final sous forme de Space opera mélancolique de “Space Debris”.

Sur The Wow! Signal, Muse semble encore une fois tiraillé entre son statut de groupe pourvoyeur d’hymnes grand public et ambitions progressives. Cependant, ici la sauce prend bien, et le disque, servi par une production XXL, (sans aller jusqu’à s’exclamer “Wow!”) est une franche réussite.

Dernière production d’If Not If, nom d’artiste du multi-instrumentiste et producteur Graeme Ginsberg, ‘electricity‘ est un recueil de 10 titres qui explore des genres variés tels que le rock, le rock progressif, le rock classique, le jazz-rock fusion, le rock électronique et bien plus encore. On y retrouve une musique puisant ses influences dans des groupes tels que Pink Floyd, King Crimson, Jeff Beck, Frank Zappa, Steely Dan, Phish, Porcupine Tree, Brand X, Yes, Pat Metheny et Al Di Meola (Ouf !).

Graeme confirme sa maturité artistique sans frontière et l’on retrouve naturellement au fil de l’écoute des compositions imprégnées d’ambiances musicales qui varient radicalement d’un morceau à l’autre et parmi ceux-ci :

Inspiré de la musique Jazz-rock des années 70, « Tales of Power », qui ouvre l’album, hérite d’un climat à la ‘Black Market‘ de Weather Report. Avec « Once Upon A Time » nous plongeons dans des atmosphères à la floyd, les notes sont délicates et aériennes.

Cette vision pluri-genres qui parcourt le disque s’affirme avec éclat dans la suite « Performance Part 1 – Nostalgia / Part 2 – The Wisdom Of The Fool / Part 3 – Storm », animée par des échos post rock, de la musique ethnique et du jazz fusion. Inventif, Graeme Ginsberg explore avec brio la relation entre le son et l’espace-temps.

electricity est un disque qui s’apprécie dans son contraste, ce processus créatif et éclectique fait de cet album une réussite !

Après un brillant retour avec ‘War Stories’ fin 2025, Andrew Latimer (guitariste et chanteur de Camel) poursuit la publication d’albums sur bandcamp. Le petit dernier ‘From The Vault’ est une suite de huit morceaux écrits par Latimer et ses anciens compagnons de Camel : Colin Bass et le claviériste Peter Jones, (Tiger Moth Tales).

De toute évidence, l’écoute de ‘From The Vault’ confirme que Latimer a retrouvé son meilleur niveau avec un excellent album assez proche des anciennes productions de Camel. La virtuosité des musiciens est, comme toujours, remarquable, la musique est magnifiquement composée et l’ensemble est d’une grande cohérence, la plupart des morceaux s’enchaînant parfaitement. Les ingrédients musicaux de ‘From The Vault’ ne sont peut-être pas nouveaux, mais ils font mouche et il est difficile d’en extraire une partie préférée plus qu’une autre.  

‘Isolation’ se distingue peut-être légèrement des autres titres, nous y retrouvons le chant feutré d’Andrew et sa fabuleuse guitare sur une mélodie absolument impeccable. Seul bémol, la durée de ‘From The Vault’, 35 :59 minutes, c’est court !

‘From The Vault’ n’est pas un album révolutionnaire, mais il mérite amplement le détour, surtout pour les amateurs de prog mélodique. Les fans de Camel, en particulier ceux qui attendent avec impatience un nouvel album studio du groupe, devraient l’apprécier.

Les toulousains de Slift sont de retour pour un quatrième album studio, Fantasia, toujours sur le prestigieux label américain Sub Pop (excusez du peu…). Le trio, adepte d’un Space Rock / Psyché / Heavy Prog hyper puissant, adopte ici une approche et un son plus direct. En effet, après deux albums (Ummon en 2020 et Ilion en 2024) qui leur ont valu une reconnaissance mondiale prenant la forme de pavés Space Rock aux longs développements progressifs, le groupe semble revenir sur notre bonne vieille planète avec l’envie d’en découdre et des compositions plus resserrées, plus punks dans l’esprit. Connus pour leurs prestations lives énergiques, Slift donne l’impression de vouloir retranscrire cette énergie en disque en 8 titres et 50 minutes, tout en poursuivant leur exploration et leurs expérimentations sonores.

Ce qui frappe d’entrée sur Fantasia, c’est la voix de Jean Fossat, largement mise en avant et dont la rage criée, viscérale, transpire sur chaque titre, là où elle était précédemment noyée dans un océan de réverb. C’est aussi ce qui pourrait éloigner certains auditeurs, peu habitués à un caractère vocal si énervé. Chaque titre porte sa marque avec des spécificités qui se révèlent à chaque nouvelle écoute. A commencer par le premier, “Fantasia”, plus long développement du disque, faisant le pont avec les précédents albums, lourd et aérien à la fois à la rythmique peu conventionnelle et aux claviers luxuriants. “Corrupted Sky” propose un époustouflant solo Hendrixien sur une rythmique basse / batterie en feu, “The Village” s’ouvre sur une intro progressive sous la forme d’une longue montée en puissance, “Waiting Man” est une inattendue balade au caractère Floydien. Ce ne sont là que quelques exemples des surprises réservées par Fantasia que je recommande plus que chaudement (c’est de saison) aux amateurs de Stoner, Psyché, Prog énervé.

Pour célébrer le vingtième anniversaire de STARFISH64, le compositeur, chanteur et musicien Dieter Hofmann nous propose une compilation de titres entièrement réenregistrés où simplement légèrement modifiés qui ont jalonné la production du groupe depuis son origine en 2006, mais aussi quelques nouveautés.

Travel Light – Twenty Years Of Starfish64, c’est onze plages entre trois et neuf minutes d’un progressif au côté pop prononcé. Des morceaux très accessibles baignant dans une atmosphère mélancolique et nostalgique, d’où émerge parfois de brefs élans de dynamisme.

Parmi les morceaux phares, on retrouve en ouverture l’éponyme « Travel Light », un remix de 2023, dont la mélodie entraînante au clavier est particulièrement accrocheuse. « The Black Dot », (An Altered State Of Joy – 2016) est le plus long de l’album en approchant les neuf minutes, on y perçoit avec les interventions de la flute des échos de Camel, ainsi qu’une touche jazzy par l’apport discret de la trompette. Assez proche de Supertramp, « Yesterday’s Favourite smile » (The Future In Reverse – 2018) met en avant la densité émotionnelle du chant clair et mélodieux de Dieter Hofmann. Cerise sur le gâteau, il y a aussi le nouvel enregistrement de « Suite Borrowed Ground » (A Matter Of Gravity – 2011) explorant un éventail de styles plus large que d’habitude, il offre un jeu de guitare délicieux, de savoureux solos de clavier, des orchestrations aux ambiances célestes et un final floydien.

Dieter Hofmann nous offre un prog délicat et soyeux. Son chant, d’une douceur veloutée, guide l’auditeur à travers des paysages sonores colorés, mais paisibles. Travel Light – Twenty Years Of Starfish64 forme une belle introduction à l’univers de STARFISH64.

The Dredge a fait ses débuts avec un premier album ‘Torches’ (2024), qui s’est rapidement fait remarquer grâce à son originalité. Jouant sur plusieurs registres musicaux leur petit dernier, ‘Down The Beach’ et ses huit nouvelles compositions, continue d’élargir leur mosaïque d’influences. Le groupe puise son inspiration dans un large éventail de genres, on y trouve des touches de Drum and Bass et de Jazz Lounge un peu de Art Rock, mais aussi quelques pincées de Rock Progressif.

Un patchwork qui nous transporte dans des univers variés, où la qualité des mélodies est primordiale. Sans jamais tomber dans une complexité excessive, ‘Down The Beach’ glisse avec fluidité entre les passages rythmés, ceux acoustiques et des climax presque cinématographiques, c’est là son vrai tour de force : il est à la fois paisible et urgent.

‘Down The Beach’ est propulsé par deux titres phares, « Nature » aux superbes interventions jazzy du sax de Kjetil Møster et « Event » qui n’est pas sans rappeler agréablement l’Unitopia de Mark Trueack, mais le reste est tout aussi abouti. Une nouvelle réussite pour The Dredge !

Interprètes :

Kjetil Vikene : Chant, Guitare, Basse, Claviers, divers –

Frode Røsjø : Batterie, Chœurs, divers –

Invité : Kjetil Møster : Saxophone.